La exposición 'Beyond Granite' nos recuerda lo que podría ser el National Mall

Si pudieras verlo con ojos nuevos (y pensar en lo que solía ser, lo que podría ser y lo que sería si estuviera en cualquier otro país), el National Mall parecería un lugar muy extraño, casi surrealista. No está rodeado de restaurantes, no está lleno de árboles que den sombra a los senderos serpenteantes y, excepto por un carrusel cerca del Smithsonian, hay poco que distraiga y deleite a los visitantes más jóvenes.

Desde que fue rediseñado, reconstruido y reutilizado por el Plan McMillan de 1902, el Mall ha sido un foro nacional, lleno de simbolismo, lleno de significado e historia, y en su mayoría carente de comodidades. “Beyond Granite”, una instalación artística de un mes de duración destinada a desafiar las formas habituales en que contamos historias en el Mall, ha tenido un feliz efecto secundario: ofrece una visión del Mall como un espacio mucho más agradable, habitable y urbano. Con seis instalaciones que son más pequeñas y más accesibles que los memoriales y monumentos permanentes, reconfigura el Mall a escala humana, un lugar menos sobre ideas grandiosas y abstractas y más sobre el puro placer de estar allí.

El proyecto es presentado por el Trust for the National Mall en asociación con la Comisión de Planificación de la Capital Nacional y el Servicio de Parques Nacionales, y está comisariado por Paul Farber y Salamishah Tillet para Monument Lab, un grupo con sede en Filadelfia dedicado a repensar cómo creamos monumentos conmemorativos y monumentos. El objetivo del proyecto, financiado por la Fundación Mellon, es "crear un paisaje conmemorativo más inclusivo, equitativo y representativo en el National Mall". Se anuncia como la primera exposición de arte curada que incluye a múltiples artistas presentados en el monumental área verde del país.

Es difícil creer (a menos que vivas en Washington y entiendas la complejidad burocrática de hacer cualquier cosa en el Mall) que esta sea la primera vez que se realiza allí una exposición de arte seria. Otras ciudades utilizan sus espacios abiertos y zonas verdes para crear un diálogo y un compromiso continuo con el público. La paradoja del Mall es que, a medida que se cargó de significado simbólico y resonancia histórica, el potencial para crear un nuevo significado comenzó a reducirse. Una ley que protege al Mall del desarrollo desenfrenado lo califica como “una obra de arte cívico sustancialmente terminada”, lo que implica que también está cerrado a nuevas ideas y nuevas interpretaciones. Cuanto más se aprecia, más se gobierna por la desafortunada y reflexiva metáfora de la mesa de comedor de suma cero de este país: hay un número limitado de asientos y tanta comida, y ahora nos peleamos por las sobras.

Sí, el Mall está abierto para reuniones públicas y protestas selectivas, y debe seguir así. Pero hay muchas otras maneras en que el espacio público puede ser abierto y dinámico, y los administradores del Mall se han mostrado demasiado resistentes a ellas.

Hasta ahora, si todo va bien.

Los seis artistas elegidos por los curadores han creado media docena de obras, ubicadas en todo el parque que incluye el Mall y Constitution Gardens. Las ubicaciones son estratégicas y reflexivas, e invitan a las personas a permanecer en lugares por los que normalmente pasarían.

Tiffany Chung utiliza cuerdas de colores tendidas sobre un mapa gigante de la Tierra para rastrear los patrones migratorios de los asiáticos del Sudeste durante y después de la Guerra de Vietnam. Su escultura, “For the Living”, está ubicada en la suave elevación de lo que se llama “West Knoll”, cerca del Monumento a los Veteranos de Vietnam. El monumento no es visible desde la instalación temporal, pero se puede sentir su presencia. El West Knoll suavemente esculpido forma una barrera de tierra entre un monumento permanente a los estadounidenses que murieron luchando en una guerra lejana en tierras que habían sido colonizadas por potencias occidentales y un monumento temporal a aquellos cuyas vidas fueron perturbadas y dispersadas por ese conflicto.

“The Soil You See...” de Wendy Red Star está ubicado en una isla en el lago Constitution Gardens, también el sitio del monumento de 1982 a los firmantes de la Declaración de Independencia. Su trabajo sobre vidrio reproduce una imagen gigante de su huella digital, haciendo referencia a una de las formas en que los nativos americanos firmaban tratados y concesiones de tierras al gobierno de Estados Unidos. El título de la obra está tomado de un discurso más largo, pronunciado por un explorador Crow que trabajó con las fuerzas militares estadounidenses, lamentando la pérdida de tierras a través de la apropiación y el robo implacables de una nación que se expande hacia el oeste: “El suelo que ves no es un suelo común y corriente; Es el polvo de la sangre, la carne y los huesos de nuestros antepasados. … Tendrás que excavar en la superficie antes de poder encontrar la tierra de la naturaleza, ya que la parte superior es Crow. La tierra tal como es, es mi sangre y mis muertos; está consagrado y no quiero renunciar a ninguna porción de él”.

Una vez más, la ubicación de la obra de Red Star es estratégica, junto al monumento a los firmantes del documento fundacional de la nación, en un tramo del Mall cerca del cual alguna vez hubo un canal y luego una alcantarilla. Constitution Gardens fue concebido como un respiro pastoral de la formalidad del centro comercial más rectilíneo, en un terreno que hasta 1971 estuvo ocupado por edificios temporales que sirvieron a los militares durante la Primera y Segunda Guerra Mundial. Se trata de un terreno lleno de capas, un terreno que ha acogido una multiplicidad de usos. Visto desde el ángulo correcto, el Monumento a Washington se eleva detrás de la gigantesca huella roja del pulgar, una promesa de virtud cívica y fidelidad incumplida demasiadas veces para contarlas.

Desde el parche elevado de grava en el que Derrick Adams ha colocado su pieza, “America's Playground: DC”, se puede ver tanto el antiguo emplazamiento de esas estructuras militares temporales como vislumbres del Memorial de la Segunda Guerra Mundial. Su instalación es, de hecho, un patio de recreo totalmente funcional y acogedor, y su proximidad a lugares vinculados al negocio de la guerra y su brutal costo humano es particularmente poética.

Adams divide el espacio de juego en dos con dos grandes imágenes de niños blancos y negros jugando juntos después de que una decisión de la Corte Suprema de 1954 eliminara efectivamente la segregación en los patios de recreo del Distrito. A un lado de la fotografía, los equipos y la superficie de seguridad son negros, blancos y grises; por el otro, tienen colores vivos. Pero ambas imágenes muestran a niños riendo y a gusto juntos. Esto se puede leer de múltiples maneras: la escala de grises de la esperanza precede al arco iris de las promesas y los sueños cumplidos. Pero terminé pensando en la delgada línea entre juego y trabajo y en cómo podríamos sustituir productivamente una palabra por otra en oraciones como: Debemos trabajar/jugar juntos para terminar cualquier cosa que valga la pena hacer.

El patio de juegos de Adams recuerda la historia más larga del Mall, antes del rediseño de 1902 que eliminó parques públicos, senderos para caminar y otras características más parecidas a parques en favor de un eje visual largo y vacío entre el Capitolio y el Monumento a Lincoln. Su instalación no interfiere con esa línea de visión y abre una conversación seria y necesaria sobre cómo podríamos utilizar mejor los bordes del Mall para satisfacer necesidades humanas más vitales, como el juego.

Otras instalaciones recuerdan momentos clave en la historia del Mall como lugar de protesta y recuerdo. “Homegoing” de Ashon T. Crawley utiliza sonido y música de la iglesia negra para recordar a los músicos queer negros y otras personas que murieron de SIDA. La música anima un santuario al aire libre, cuyo perfil bajo crea un patrón horizontal que recuerda a uno de los actos de conmemoración más conmovedores en el Mall, la exhibición de 1987 de la colcha conmemorativa del SIDA.

Y “Of Thee We Sing” de Vanessa German utiliza técnicas mixtas, incluidas botellas vacías y flores artificiales, para crear un retrato de Marian Anderson, cuya actuación del Domingo de Pascua de 1939 en el Lincoln Memorial creó un tesoro de simbolismo y poética tan duradero como cualquier cosa construida en piedra en el centro comercial. Las botellas se rompen, las flores se marchitan y la música vive sólo en el momento en que la escuchamos. Pero las cosas fugaces y efímeras tienen un sustrato, la memoria, que les da una permanencia más allá de otro material aparentemente más duradero.

La obra final y la más cercana al Capitolio es el campanario interactivo de Paul Ramírez Jonas, “Let Freedom Ring”, ubicado en el eje de la Calle 12 cerca de la estación de Metro Smithsonian. Cuando se activan, las campanas tocan casi la última nota de “My Country 'Tis of Thee”, una canción que Anderson interpretó con poder de encantamiento en 1939. Una campana de 600 libras ubicada en la base del carillón se opera manualmente y los visitantes son invitados a tocarlo, terminando así la canción. También se les pide que contemplen dos ideas de libertad y pidan un deseo que las complete: “Quiero ser libre para…” o “Quiero ser libre de…”

Esto último es a menudo la condición previa de lo primero: debemos estar libres de restricciones, necesidades y cuidados antes de ser libres de hacer las cosas que dan mayor significado a la vida. Pero la “libertad para” sigue siendo una aspiración para muchos estadounidenses.

Visité las campanas justo después de que se abriera la instalación y se derribara la cerca temporal, y fueron un éxito instantáneo, especialmente entre los niños. Están suspendidas de una imponente estructura de acero, de más de 22 pies de altura, lo que la convierte en la más “monumental” de las seis instalaciones. Pero es la ubicación y la interactividad lo que realmente define su poder. Hace que el eje de la Calle 12 sea un lugar para quedarse, invitando a contemplar la ciudad, lejos del centro comercial. También coloca a los visitantes en un círculo, mirando no sólo al carillón, sino también a los demás.

“Beyond Granite” es inteligente y está bien producida. Puede haber problemas, colas para tocar el timbre y algunos rasguños de cabeza ante el trabajo más conceptual de visitantes que no están familiarizados con los tropos del arte público. Pero demuestra algo que ha sido obvio durante décadas: el Mall puede estar repleto de monumentos, memoriales y museos tradicionales, pero de ninguna manera es una obra de arte público sustancialmente completa. Exposiciones como ésta deberían ser un esfuerzo anual.

Beyond Granite continúa hasta el 18 de septiembre en el National Mall entre 12th Street y el Lincoln Memorial. Beyondgranite.org.